色彩的三個旋鈕

新手講顏色最常出現三句話：「這張顏色太重」「這張顏色怪怪的」「這張顏色很髒」。

這三句指的是三件完全不同的事，要用三種不同的方法修。講不清楚是哪一件，就只能在軟體裡亂拉滑桿，或者在現場憑感覺換位置。所以這一章的目的很實際——把顏色拆成三個可以分別轉動的旋鈕，讓你在現場說得出口：我要動的是哪一個。

• 色相（Hue） —— 它是哪個顏色。紅、橙、黃、綠、青、藍、紫，繞成一圈。
• 飽和度（Saturation） —— 這個顏色有多純。降到零就是灰，不管原本是什麼色相。
• 明度（Value / Luminance） —— 這個顏色有多亮。粉紅是高明度的紅，酒紅是低明度的紅，兩者色相相同。

對回上面那三句話：「太重」講的是飽和度，「怪怪的」講的是色相偏移，「很髒」講的是明度沒拉開。

為什麼剛好是三個

這不是約定俗成，也不是因為顏色天生有三個面向。是因為量它的那個儀器只有三個通道。

視網膜上負責顏色的是視錐細胞，只有三種，各自對長、中、短波長的光最敏感。任何一束光進到眼睛裡，不管它的光譜有多複雜——一道彩虹、一盞鈉燈、一片葉子的反射——最後都只變成三個數字。顏色的世界是三維的，因為讀取它的裝置是三維的。

這件事有一個古怪但極其重要的後果：兩束光譜完全不同的光，只要在三個通道上算出同樣的數字，看起來就是同一個顏色。這叫同色異譜。你的螢幕用紅、綠、藍三個點混出一片黃色，它跟真正的單波長黃光在物理上毫無關係，你卻分不出來。彩色攝影、彩色印刷、彩色螢幕——整個產業都建立在這個「破綻」上。相機也一樣：感光元件前面那層濾色片就是在模仿三種視錐細胞的敏感曲線，模仿得越像，拍出來的顏色越接近人眼所見。

最早把這件事當成工程問題來用的是 James Clerk Maxwell。1861 年他在倫敦做了一場示範：同一條格紋緞帶拍三次（實際掌鏡的是攝影師 Thomas Sutton），分別隔著紅、綠、藍三片濾光液，再用三台投影機疊回同一塊幕上——世界上第一張彩色照片。他要證明的正是「三個通道就夠了」。有趣的是這場示範本來不該成功：當時的乳劑對紅光根本沒有反應（第十章講過）。後人重建這場實驗時推斷，紅色那張之所以有影像，是因為緞帶上的紅色染料同時反射紫外線，而濾光液讓紫外線通過了。一個運氣好的意外，替一個正確的理論做了成功的示範。

還有一件事值得知道，因為它解釋了色環為什麼閉得起來。光譜是一條直線，從 380 奈米的紫排到 700 奈米的紅，兩端不相接。但你看到的色環是圓的，紅和紫之間接著一段紫紅。那段紫紅（magenta）在光譜上並不存在——沒有任何單一波長的光是紫紅色。它是大腦在「長波通道被刺激、短波通道也被刺激、中波通道沒有」這個組合下給出的答案。色環之所以能閉合，是因為視覺系統補了一個現實裡沒有的顏色進去。

旋鈕	它在生理上是什麼	讀者會怎麼形容它出問題
色相	三個通道之間的比例	「顏色怪怪的」「白的東西不白」
飽和度	三個通道之間的差距；差距為零就是灰	「太重」「太豔」「像調色盤」
明度	三個通道的加權總和	「很髒」「灰灰的」「糊在一起」

順帶澄清一個常見的混淆：明度不是曝光。明度講的是某個顏色本身有多亮——純黃天生就比純藍亮得多，這件事跟你怎麼曝光無關。把整張畫面調亮兩級，藍色仍然是全部顏色裡最暗的那一個。

顏色的數量比顏色的濃度重要

新手照片的顏色問題，九成是太多而不是太少。一條街上有紅招牌、藍雨傘、綠樹、黃計程車、白車道線——五個顏色同時在喊，結果誰都聽不見。

這裡要小心一個誤判：顏色不成立，跟拍得好不好是兩件事。

那張市場是刻意挑的反例：它沒有任何技術缺陷，顏色仍然不成立。原因不在飽和度太高，在於沒有一個顏色比別的顏色重要。顏色要能傳達訊息，靠的是差異；當畫面裡什麼顏色都有，差異就消失了。

現場能做的三件事，按容易程度排：

1. 走近一點。 把不需要的顏色排除在畫面之外。這是最快也最有效的一招，因為它同時解決了顏色與構圖。
2. 等。 等那個顏色不對的人走開，或等那台紅色的車開走。
3. 降飽和或轉黑白。 把顏色這個變數整個關掉——第十章講的就是什麼時候值得這樣做。

飽和度：加不是免費的

為什麼會斷層？因為每個色相能表現的最高飽和度是有上限的，而且上限不一樣。提高飽和度時，已經接近上限的區域先「撞頂」——它們沒辦法再更飽和了，於是原本有細微差異的相鄰顏色被壓成同一個值。

這在紅色與橙色上特別明顯，原因不是色域在那裡特別窄，而是紅通道最早撞頂：紅橙色本來就是紅通道接近滿載、另外兩個通道很低的狀態，再往上推就沒有餘裕了。夕陽、花瓣、膚色是三個最容易踩到的題材，而它們剛好都是新手最愛拍的。

富士的膠片模擬裡，Velvia 就是高飽和的那一個。它在風景上很漂亮，在人像上會讓臉發紅——不是它調得不好。原因有兩個：膚色的紅通道原本就沒剩多少餘裕；而膚色又是上一節講的記憶色，觀眾對它偏掉幾個百分點都很敏感，同樣的推力放在石頭或樹葉上根本不會被察覺。

還有一個少人講的副作用：加飽和度會讓顏色變暗。在 RGB 的世界裡，把一個顏色推得更純，實際上是把另外兩個通道往下壓——要讓紅更紅，就得把綠和藍拉低，而那兩個通道原本也在貢獻亮度。所以一張猛加飽和的照片通常同時變暗變濁，然後拍的人再去把亮度拉回來，兩個調整互相打架，最後得到一張又亮又豔又沒有層次的東西。

軟體裡那三個看起來很像的滑桿，做的其實是三件不同的事，值得分清楚：

滑桿	它動的是什麼	什麼時候用
Saturation（飽和度）	全部顏色等比例推，已經飽和的也照推	想整體降下來時；往上加要非常保守
Vibrance（自然飽和度）	只推低飽和的區域，保護已經飽和的與膚色	想讓淡的顏色出來、又不想動到臉
HSL 分色相彩度	只動你指定的那一個色相	畫面只有一個顏色在吵的時候

順序也有講究：先確定顏色的數量與面積，再動飽和度。 反過來做，等於在一個結構不對的畫面上調參數，怎麼調都不會對。

現場的顏色，和照片裡的顏色不是同一件事

有一種經驗幾乎每個人都有過：現場那個顏色美到讓你舉起相機，回家打開檔案卻覺得平淡。這不是相機拍壞了，是三件生理上的事在作用。

一、你的眼睛在移動，照片不會。 站在現場時你的視線一直在掃，每停一個地方，瞳孔大小與視網膜的增益都會重新調整一次。你其實是看了十幾個各自最佳曝光的局部，再由大腦合成一個「到處都看得清楚」的印象。照片是一次曝光的一塊平面，觀眾一眼看完全部——現場那種從容，在照片裡得靠動態範圍硬撐（第九章）。

二、視覺系統會自動扣掉光源的顏色。 這叫色彩恆常性：白紙在鎢絲燈下仍然是白的，因為大腦知道那個黃是燈的顏色、不是紙的顏色。相機沒有這個機制，只能靠白平衡去猜。所以現場「不覺得偏黃」的室內，拍起來常常黃得嚇人——這是第十三章整章要處理的問題。

三、有三個顏色，人腦存了預期值。 天空的藍、植物的綠、人的膚色，這三個叫記憶色。它們只要偏離預期一點點就會被察覺，而觀眾通常說不出哪裡怪，只會說「顏色怪怪的」。反過來說，磚牆、衣服、油漆偏個幾度沒有人會發現——因為腦裡沒有存那些東西該是什麼顏色。

實務上的結論很直接：現場覺得顏色美的時候，先問那個美是不是來自「你人在那裡」。 如果是，照片救不回來，該改拍別的；如果那個顏色確實存在於畫面的某一塊，就走近它，讓它在畫面裡佔的比例，接近它在你心裡佔的比例。

顏色自己就有亮度

這是新手最常忽略、而後果最深遠的一件事：色相自帶明度。

以 sRGB 的相對亮度計算，純色相之間的差距大得驚人：

純色相	相對亮度	大約等於
黃	0.93	幾乎跟白一樣亮
青	0.79	淺灰
綠	0.72	中亮灰
橙	0.48	中灰
紫紅	0.28	深灰
紅	0.21	深灰
藍	0.07	幾乎跟黑一樣暗

純黃的亮度是純藍的十二倍以上。

兩個直接的後果。第一，「黃色的東西在藍色背景上」不只是色相對比，同時是明暗對比——這是黃藍組合特別搶眼的原因，下一章會拿它當主線。第二，紅與綠的明度只差三倍多，遠小於黃藍的十二倍。要小心一個常見的過度推論：純紅與純綠轉成黑白其實分得開（0.21 與 0.72 換算成灰階大約是 127 與 220，差了將近一百階）。真正會糊在一起的是真實場景裡的紅衣與綠葉——它們都不是純色，各自摻了灰、摻了環境光之後，明度就落到很接近的位置了。第十章那個「主體消失在背景裡」的症狀，講的是後者不是前者。

六個常見症狀與它們的成因

格式一律是：畫面出現 X → 通常成因是 Y → 改動 Z。

1. 顏色看起來很吵、像調色盤 → 高飽和的區域面積太大且彼此亮度接近，沒有主從 → 先減少顏色的數量（走近、換角度），而不是先降飽和度。
2. 降了飽和度之後照片變得死氣沉沉 → 你降的是全域飽和度，連本來就淡的區域也一起被抽掉 → 只降最吵的那一個色相（軟體裡的 HSL 分色相控制），或改為降低該色相的明度——暗一點的紅看起來就沒那麼吵。
3. 顏色很髒、幾塊顏色糊在一起 → 幾個中飽和的顏色明度接近，邊界讀不出來 → 這是光的問題不是顏色的問題：換一個側光角度製造亮度差，或直接轉黑白（第十章）。
4. 人臉發紅、看起來像曬傷 → 高飽和設定把膚色的紅通道推到滿載，而膚色是記憶色、容錯特別小 → 換低飽和的膠片模擬，或用白平衡偏移往青偏一到兩格（第十三章）。
5. 明明是同一件衣服，室內拍是橘的、室外拍是紅的 → 這是色相偏移，不是飽和度問題，成因在光源 → 白平衡，見第十三章。
6. 螢幕上很漂亮，印出來變暗變濁 → 印刷的色域比螢幕窄，飽和的紅、藍、紫最先落在色域外 → 拍攝時就替這些顏色留一點餘裕，別把飽和度推到底。

這三個旋鈕是誰發明的

十九世紀末描述顏色的方式是名字：玫瑰紅、鴿灰、蔚藍。這在教學上完全沒用——兩個人講同一個名字，指的是不同的顏色。

Albert Munsell（1858–1918）是波士頓的畫家與美術教師，他被這件事困擾到決定自己動手解決。1905 年他提出：顏色要用三個互相獨立的座標描述，而不是名字。他用的三個詞是 hue（色相）、value（明度）、chroma（彩度）——正是本章這三個旋鈕。

真正讓他的系統活到今天的，是校準的方式。他不是用數學算的，是用人眼判斷去調整每一格的間距，讓任兩個相鄰格子之間的差距看起來一樣大。這是史上第一個感知均勻的色彩系統。

而他做出來的東西不是球體，是一棵歪的樹——因為每個色相能達到的最高彩度不一樣，而且達到最高彩度的明度也不一樣。純黃在很亮的地方就達到最大彩度，純藍要到很暗的地方才行。所以那棵樹在黃色那一側又矮又胖、在藍紫那一側又高又瘦。

這棵樹為什麼會歪，你在上一節那張明度表裡已經看過答案了。這不是巧合，是同一件事的兩種說法：色相自帶明度，所以顏色空間不可能是對稱的。

今天所有影像軟體的 HSL 與 HSB 滑桿，都是 Munsell 那三個軸的簡化版；美國農業部到現在還用 Munsell 土壤色卡描述土壤顏色。一個為了教小孩畫畫而做的系統，最後變成了整個產業的座標。

現場判斷表

你想改的	實際上該動的旋鈕	現場做法	事後做法
「顏色太亂」	顏色的數量（不是任何一個旋鈕）	走近、換角度、等	裁切；沒得救就轉黑白
「顏色太豔」	飽和度	換低飽和的膠片模擬	只降最吵的那個色相
「白的東西不白」	色相	白平衡（第十三章）	RAW 隨時可改
「主體跟背景黏住」	明度	換光的方向製造亮度差	局部提亮／壓暗，別靠加飽和
「顏色沒有重點」	面積比例	讓一個顏色只佔一小塊（下一章）	裁切改變面積比
「轉黑白就糊了」	色相之間的明度差	拍攝時就看黑白預覽	色版混合／濾鏡（第十章）